metodología y plan de trabajo

La metodologia que en principio he pensado usar es la aprendida en la asignatura de sistemas de analísis de la forma, tanto en lo que se refiere a la geometría plana como a las perspectivas cónicas, lo que de entrada puede evocar ambientes urbanos.Utilizando medios y formatos propios del dibujo para los esbozos, me gustaría acabar en un medio pictórico sobre tabla, y si es posible en bajorelieve

objetivos específicos

Se me ocurren como objetivos específicos los que plantee con los bocetos previos al trabajo final.En primer lugar sin orden ni simetría, y más adelante dibujos diferentes donde poder elegir aquel material que me parezca más adecuado

objetivos

Me gustaría poder trabajar, como he dicho en la introducción, con elementos simples para intentar expresar mediante formas sugerentes límites de espacios o huecos que den al que lo mira una impresión de lo extraño y desconocido que puede llegar a ser el tejido en el que ocupamos todo

Introducción del proyecto

Después de estudiar diversos artistas que me parecian interesantes en la linea que inicialmente quería seguir, mi idea de proyecto se ha ido delimitando y derivando hacia medios y formatos de menor tridimensionalidad (incluso nula) pero manteniendo el móvil de trabajar con la noción de tejidos del espacio que pudieran evocar mayores dimensiones.El protagonista sería el espacio en sí, no lo que lo ocupa, en este sentido sería algo más conceptual que objetual.
Por tanto trataría que ni los colores o las formas robaran el valor de los espacios que se crean.Las lineas, aristas, pretendo que sean sencillas delimitando redes a partir de elementos geométricos primarios, que a base de repetición o yuxtaposición conformen elementos de mayor tamaño , pero no excesivamente complejos.
Globalmente podría incluso apreciarse como algo minimalista, pero lo que busco es la mezcla de sencillez, armonía de formas y resaltar por encima de todo el "desconocimiento" de algo tan familiar como el espacio, que llevado a su realidad profunda es algo misteriosamente inaprensible.
Al tratarse de algo poco definido desde el punto de vista formal, pretendería que además tuviera otra lectura que es posible por el planteamiento y es la interpretación en terminos de espacios urbanos imaginarios.

peces

Cuando era niño, una de las cosas que más me gustaba era ir a la playa.En ocasiones iba con la familia y en otras nos juntabamos amigos del barrio y nos llevabamos bocadillos, balones y nos quedabamos jugando en la arena hasta la tarde.
Entre los distintos juegos uno consistía en sumergirnos con las gafas de bucear y aguantar el mayor tiempo posible.Recuerdo en concreto un día en Las Negras (donde costaba bastante trabajo llegar entonces) que me sumergia y contemplaba el fondo con las rocas, las algas, pero sobre todo los peces, había gran cantidad de ellos de todos los colores y tamaños, aquello era un hervidero de vida, de manera que me ajusté el tubo y así no tenía que girar la cabeza para respirar, y de esta manera podía seguir mirando el fondo.Fué un gran descubrimiento, incluso llegué a ver un pulpo medio escondido entre las rocas.Organizamos una pequeña excursión y nos fuimos varios amigos pertrechados de gafas y tubo recorriendo los alrededores cercanos en la costa, nadando dentro del agua, deteniendonos en todo lo que nos llamaba la atención ,que era mucho.
Después de varias horas, al salir, teniamos la espalda quemada del sol, pero yo me sentía realmente satisfecho de lo que acababa de vivir.

el niño

Hace aproximadamente 15 años ,en una guardia del Hospital, tuve que atender a una paciente cuyo cuadro clínico no viene al caso, pero sí que repercutía gravemente en su vida. Tenía alrededor de 40 años y venía con un niño de 7, había pasado los 3 últimos días en un estado de hiperactividad contínua, hablando, visitando gente, comprando cosas que en gran parte eran innecesarias, apenas dormía, su actitud era socialmente inadecuada y a veces extravagante, su vestimenta y aspecto, igualmente reflejaban el caos interno que la dominaba.No era dueña de sí misma y estaba claro que habia que tomar medidas contra la voluntad de la paciente para que recuperara la salud mental o en caso contrario las consecuencias serían desastrosas.
Esto, en sí mismo ,no era algo inusual en las incidencias de una guardia.Lo que me llamó poderosamente la atención fué la criatura, desde el primer momento no pude dejar de reparar en él.La escena , a poco que uno tuviera corazón, era dramática: la mujer desbordada emocionalmente, reia, lloraba, gritaba ,besaba a su hijo, me hablaba, se perdía en un discurso sin idea directriz, en un estado de agitación.No dejaba que su hijo saliera o se separara de ella y éste se encontraba abandonado a la situación y no paraba de mirar a su madre, a mí, a su alrededor, indefenso, y sobre todo sin los recursos psicológicos y la madurez para poder soportar aquel acontecimiento.Sus ojos, su angustia ante una madre enagenada a la que no podía entender.Recuerdo que toda mi intervención iba dirigida de forma solapada a él, tratando que supiera que aquello tenía remedio y las cosas volverían a ser como antes.

dan flavin

dan flavin

Dan Flavin es considerado uno de los artistas fundadores del arte minimalista norteamericano, si bien no compartió esta clasificación a lo largo de su vida. Flavin es uno de los primeros artistas en plantear en sus obras un juego, o concierto -como él lo llama- entre el espacio que las aloja y el punto o línea de luz. Este juego consiste en la interrelación entre espacio, luz natural, luz eléctrica y los cambios que se producen en "la mirada". Cada uno de estos participantes modifican activamente la obra en el tiempo.
Sus antecedentes más cercanos lo acercan a Tatlin y a Malevich, de donde toma el uso de las esquinas y rincones para alojar sus obras, y sus planteos constructivistas. Desde este lugar de la arquitectura y en contra de la artesanía del artista -ya que utiliza materiales industriales y son realizadas por técnicos-, modifica el entorno conociendo las posibilidades retinianas de la visión. Es así que cada obra presenta una nueva realidad del espacio y de las paredes que "pinta con luz".
La actual exposición, que presenta por primera vez en la Argentina las obras de Dan Flavin, está organizada conjuntamente con el Dia Center for the Arts de New York, que en la actualidad tiene en su poder la tutela del patrimonio del artista.
La exhibición está compuesta por un conjunto de obras realizadas entre los años 63 y 80, construidas con tubos fluorescentes.
Michael Govan, director del Dia y curador de la exhibición, es uno de los más destacados conocedores de la obra de Flavin en la actualidad.
Se presentan el conjunto que corresponden a la famosa serie de "Monumentos para Vladimir Tatlin". Estas esculturas de fluorescentes blancos están ensambladas componiendo estructuras simétricas. En este espacio se intenta presentar el diálogo entre la luz natural y la luz artificial.
Se exhiben las "European Couples", cuadrados de colores enfrentados, la histórica Diagonal del 25 de mayo, la primera obra realizada con luz fluorescente por Flavin, y el homenaje a Matisse.El rojo de la sala de intenso dramatismo está creado por la obra "Monumento 4 (para el guerrero muerto en combate)
Está exhibición fue concebida y realizada conjuntamente con la Dia center for the Arts, coordinada por Arturo Carvajal y cuenta con el auspicio de las empresas Siat, Siderca y Siderca Corporation, empresas de la Organización Techint.

jasper johns

Jasper Johns, hombre reservado y celoso de su intimidad, antes de su consagración artística. Nació en 1930 en Augusta, Georgia, en el corazón del Deep South americano, y se crió con tíos y abuelos en Allendale y otras localidades de Carolina del Sur tras el divorcio de sus padres. Allí cursa estudios universitarios, pero ya en 1949 se traslada a Nueva York e ingresa en una escuela de arte comercial.
Incorporado al ejército, se le destina al Japón, donde permanece hasta 1952. Aunque algún débil rastro de influencia japonesa pueda percibirse en algunas obras muy posteriores, es posible que se deba más a la que mantuvo con el músico John Cage, uno de los personajes centrales de la vanguardia americana cuyo interés por el budismo zen es bien conocido, que a su experencia directa de la cultura nipona.



Escaparates de Manhattan

Tampoco se sabe mucho de sus primeros pasos como artistas, pues el parecer destruyó sus obrs iniciales. Lo cierto es que en 1954 conoce a Robert Rauschenberg y John Cage, ambos mayores que él. Si el primero se convierte en inseparable compañero de trayectoria artística, el segundo ejerce una influencia gradual y tamizada, además de ponerle en contacto con algunas figuras de la máxima importancia en la escena artística neoyorquina e internacional, como el coreógrafo Merce Cunningham o el propio Marcel Duchamp.
Johns y Rauschenberg se instalan en estudios cercanos en el Downtown de Manhattan y se ganan la vida diseñando escaparante. Por eso mismo añ ambos encaminan su carrera de forma definitiva. En 1955 Jasper Jhons pinta su primera bandera americana, un gran panel blanco totalmente dominado por la evidencia de las barras y estrellas.
La textura, matérica y de notables calidades táctiles, es fruto de una peculiar técnica -la encáustica o pintura al encausto- que Johns rescata de la antigüedad clásica y consiste en diluir los pigmentos en cera caliente. Este procedimiento está tan unido a la obra del pintor de Augusta como sus temas característico; todos ellos -las dianas, los números- salen a escena en 1955. El paralelismo con la evolución de su compañero Rauschenberg es evidente: muchos críticos citan Pintura blanca con números, que este último había realizado en 1949, como antecedente de las series numéricas de Johns. La estrecha relación de ambos en estos años hace la hipótesis verosímil.
Tres años más tarde, en 1958, algunos objetos se añaden materialmente a los lienzos. Johnssigue, una vez más, la estela de su amigo, si bien con un sentido algo distinto. Los objetos añadidos a sus cuadros se integran siempre en un marco de relaciones esencialmente pictóricas, gobernado por principios de textura y contraste de color. En realidad,Rauschenberg estaba más cerca de de una reflexión sobre el objeto artístico similar a la planteada por los dadaístas treinta años antes, mientras que Johns ecuerda más a los collages y tableaux-objet de los cubistas. No importa si lo que aparece en los cuadros son objetos encontrados o palabras y letras estarcidas -un procedimiento de raigambe igualmente cubista-;Johns los arrima en todo caso al ascua de la pintura, disciplina cuyos límites aspira a ampliar al máximo, pero manteniéndose siempre dentro de ella. En eso la herencia de los expresionistas abtractos de la generación anterior -Pollock, Rothko, Hoffman- queda de manifiesto.
La puerta del pop

Si Jasper Johns encuentra pronto su orientación artística, el lanzamiento de su carrera no se hará esperar demasiado: en 1957 participa en una exposición colectiva en el Jewish Museum y conoce a Leo Castelli, que al año siguiente le organiza su primera exposición individul de la galería a la que desde entonces quedará vinculado. También en 1958 expone en el pabellón americano de la Bienal de Venecia y el MOMA le compra varias obras.
Por esos años empieza a hacer sus primeros vaciados en bronce de objetos cotidianos (Bombilla, Linterna), al mismo tiempo que descubre la obra de Marcel Duchamp. A través de John Cage participa en escenografías y decorados para happenings de Alan Kaprow y coreografías de Merce Cunningham,y, con el comienzo de la nueva década, su obra, ya consagrada en los Estados Unidos, empieza a ser conocida en Europa. Aunque Michael Sonnabend le organiza una muestra individual 1961, será la Bienal de Venecia de 1964, en la que Rauschenberg obtiene el primer premio, el escenario de esa reputación internacional. En realidad, ambos abren las puertas de Europa al arte norteamericano de la generación anterior tanto como como a los artistas pop que vienen inmediatamente depués.

La producción de Johns está dominada por las banderas, dianas, números y alfabetos hasta los añ setenta, aunque de hecho nunca los abandona del todo. En Luz de Harlem (1967) aparecen por primera vez los flagtones, un motivo serial que recueda a un muroaparejado de forma irregular que vio, al parecer, fugasmente en un graffiti callejero. Quizá por ese camino llega, en 1972, a las grandes superficies totalmente cubiertas de crosshatchings, trmas de trazos de color distribuidos en series paralelas que se superponen e interpenetran, como en un cañamazo o un tejido vistos desde cerca; nunca antes había estado Johns tan cercano a la abstracción absoluta: el ejemplo de pollock, a quien dedica como homenaje Fragancia (1973-1974), uno de los crosshatchings más conocidos, es aquí muy claro.
En los últimos años Johns ha vuelto a incorporar imágenes a su pintura. Quizá el ejemplo más significativo de esa orientación reciente está en la serie de las Cuatro estaciones (1985-1986), premiada en la Bienal de Venecia de 1988 y remate de su prestigio como uno de los más grandes artistas de la segunda mitad del siglo.
Paralelamente debe resaltarse la gran importancia de su obra gráfica -litografías y serigrafías en su mayor parte-, desarrollada a partir de 1960 sobre los mismos temas y objetivos recurrentes de su pintura.

Nace en una familia de inmigrantes judíos de Rusia. Después de recibir un BFA de la universidad de Syracuse en 1949, Sol LeWitt viajó a Europa donde recibe la influencia de los grandes maestros de la pintura. Después de eso, desempeñó servicios en la guerra coreana, primero en California, después en Japón, y finalmente Corea. Se mudó a Nueva York en los años 50 y prosiguió con su interés en el diseño gráfico trabajando en la Seventenn Magazine. Por ese tiempo, LeWitt también descubrió la fotografía de Eadweard Muybridge, cuyos estudios en el 1800s sobre la locomoción y las secuencias lo influenciaron. Estas experiencias, combinadas con un trabajo en 1960 en el museo del arte moderno de Nueva York, MoMA, influyeron en la obra de LeWitt como artista.

En el MoMA, los compañeros de trabajo de LeWitt incluyeron a artistas como Robert Ryman, Dan Flavin, y Robert Mangold. Dorothy C. Miller, presento en su famosa exhibición "Sixteen Americans". Trabajos por Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Frank Stella generaron una emocionante discusión entre la comunidad de los artistas a quienes LeWitt se asoció.


Obra [editar]Se ha relacionado mucho a LeWitt con el minimalismo y se convertiría en uno de los pioneros del arte conceptual y uno de sus teóricos más destacados. Sus obras comprenden trabajos en dos y tres dimensiones, desde pinturas murales (más de 1200) a fotografías y centenares de dibujos y estructuras en forma de torres, pirámides, formas geométricas, y progresiones. De diferentes tamaños, desde maquetas a estructuras monumentales. Sol Lewitt utiliza frecuentemente estructuras abiertas y modulares originarias del cubo, una forma que lo influyó desde que se hizo artista. Sus esculturas incluyen las estructuras tempranas de la pared y tres proyectos seriales a partir de los años 60; cuatro cubos abiertos incompletos a partir de los años 70; numerosos pedazos de madera blancos pintados a partir de los años 80: El hexágono, forma derivada de un cubo, estructura con tres torres, entre otras así como maquetas para las estructuras de bloque concretas a partir de los últimos años 90.

El MoMA le dedicó su primera retrospectiva en el 1978-79. Ha expuesto además en los Paises Bajos, Reino Unido, Alemania, Suiza, Francia y España, entre otros países.

SOL LEWITT

Estaba decidido a encontrarla...., ¡esta vez sí!, estando convencido de mi buena orientación no entendía cómo en dos ocasiones me había perdido, al fin y al cabo aunque aquello se parecía bastante a un laberinto, tampoco era tan grande el Albaycín. Además mi frustración, como es normal, no había hecho mas que aumentar el deseo, y la ignota plaza Carvajales, a esas alturas, estaba rodeada de un romántico misterio que muy pocos conocían.
Llevaba ya 4 años en Granada, tiempo más que suficiente para recorrer aquel sorprendente y bellísimo barrio que todos los estudiantes pateabamos en cuanto los estudios nos lo permitian.Yo lo hacía bastante a menudo y creía que no tenía secretos para mí, disfrutaba del mirador de S. Nicolás, el paseo del Darro o la cuesta Gomariz, o me perdía en las callejuelas intrincadas que parecían pertenecer a épocas y lugares legendarios.
Por eso, cuando Laura me habló de aquella placeta, que es como realmente se llamaba, me extrañó no haber tenido noticias antes. No era Laura una compañera de clase "normal", poco habladora, sacando unas notas casi insuperables no pertenecia al grupo de los empollones ,era muy celosa de su intimidad y le gustaba pasar desapercibida ,pero no lo conseguía.No puso especial énfasis pero yo sentí que había un sentimiento especial cuando dijo que era un espacio mágico al que solía ir pocas veces y siempre sola.No sé si hubo premeditación por su parte , pero yo me lancé al trapo como si me hubieran dado un pellizco, le pregunté donde estaba y con pocas indicaciones estaba convencido de encontrarlo.
En cuanto pude salí en busca de la plaza Carvajales, no sin antes averiguar si era conocida por mis amigos, con resultado completamente negativo.Lo cierto es que por más que dí vueltas no lo conseguí, ni en esa ocasión ni en la siguiente, dias después, cuando un compañero natural de Granada que habia oido hablar de ella vagamente me indicó que estaba en aquella zona cercana a una zapatería.
La conversación que mantuve con Laura dias después, ya no fué igual, me empeñé en "cartografiar" bien los alrededores para acceder sin error (cabeza cuadrada, lo reconozco), pero no fué eso lo importante, cuando salí me había llevado algo personal , casi íntimo de ella, esta vez me contó, sin poderlo evitar, sus emociones, lo que experimentaba en aquel pequeño trozo de jardín, descuidado con un naranjo desvencijado en el que llegó a grabar algunas letras, la belleza presidida por una vista imponente de la torre de Comares de la Alhambra desde una perspectiva inédita, la paz que se respiraba.....era algo que le pertenecía y que casi nadie conocía.Sus ojos eran una ventana que se abría y donde se podía percibir también una melancolía que yo llegué a sospechar de donde podría proceder.Me sentí realmente cerca de ella y más que nunca con la determinación de llegar hasta allí, pero ya de un modo diferente, ya no era un interés turístico o una curiosidad de ver algo bonito, iba a entrar a un espacio entrañable que merecía respeto.
Aquella fué una de las pocas mañanas que yo recuerdo haber hecho "novillos" en toda la carrera, era fría, gris, con una lluvia muy ligera, que dejaba las calles más desiertas de lo habitual y a mí me facilitaba la percepción de los lugares y las personas. Desde la Puerta de Elvira en dirección a Plaza Larga tenía la impresión de estar en un pueblo, la poca que gente que me cruzaba en el camino parecían sacados de una película de los años 50, incluso una mujer con un pañuelo anudado a la cabeza.Fuí poco a poco saliendo de las calles conocidas y sumergiendome en un mundo casi irreal , desolado, con el sonido de mis botas sobre el empedrado, fuí deteniendo mis pasos y asomandome a las verjas, las enredaderas y geranios que mostraban una belleza nueva para mí, sin prisa, la meta no era algo situado en un mapa, traté de imaginarme a Laura allí mismo y me gustó la idea,....quizá alguna vez.
Nunca antes habia pisado esas callejas estrechas, irregulares, sorprendentes,....tenia que estar cerca!...sin nada que lo anunciara al doblar una esquina me impactó la visión de una gigantesca torre en un claro entre las pequeñas casas, sin darme cuenta habia estado bordeando la ladera del Albaycin , la ruta me habia conducido sin poder ver mas que las tapias y fachadas hasta una una plataforma donde el horizonte se ensanchó, impactando sobre los ojos que solo veian cosas muy cercanas .El efecto fué sobrecogedor , la majestuosa torre de Comares ,que habia estado oculta, se aparecia allá arriba, enorme, con un angulo que le proporcionaba una gran belleza.El resto de la Alhambra también estaba allí, pero la orientación de la plaza le daba mas protagonismo a la torre.Sólo pasados unos minutos (realmente no sé cuanto tiempo) ,pude sobreponerme y comenzar a fijarme en lo que había a mi alrededor.
Era un lugar verdaderamente humilde, una pequeña y vieja fuente central rodeada de setos y dos hileras de arbolillos que conducían a una barandilla a modo de mirador con dos bancos de piedra. Agradecí el sonido del surtidor que elevaba el agua y luego chapoteaba dandole un ambiente exótico.
En un rincón del jardin estaba el naranjo con aspecto envejecido, me acerqué buscando las señales que pude encontrar algo borrosas de un nombre destinado al olvido.Al volver entré en una tienda y compré una planta con flores rojas ,esperando que le gustaran, se las merecia!.

Maurits Cornelis Escher o M.C Escher o Escher el holandes nació el 17 de junio de 1898 en Leeuwarden (Países Bajos), siendo el hijo más joven de un ingeniero hidráulico. Su profesor F.W. van der Haagen le enseñó la técnica de los grabados en linóleo y fue una gran influencia para el joven Escher.

No fue precisamente un estudiante brillante, y sólo llegó a destacar en las clases de dibujo. En 1919 y bajo presión paterna empieza los estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Jessurum de Mesquitas. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y destacó sobremanera en la técnica de grabado en madera, la cual llegó a dominar con gran maestría.

Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajísticos. Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza, y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco inspirador. Añora el sur de Italia y lo frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.

En 1941 se muda a Baarn (Países Bajos), después de una estancia difícil en Bélgica (estamos en plena 2ª Guerra Mundial). Parece que debido al habitual mal tiempo de esa región, donde los días soleados se consideran una bendición, es por lo que abandona los motivos paisajísticos como modelos y se centra más en su propia mente, encontrando en ella una potentísima fuente de inspiración. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.Quizás por ello en este período su producción sea tan fructífera y regular, y sólo se verá interrumpida por la operación que sufrió en 1962, consecuencia de su debilitada salud. En 1969 con 71 años realiza su grabado "Serpientes" donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada edad.

En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de Laren, al norte de Holanda, donde los artistas podían tener estudio propio. En esa ciudad fallece dos años más tarde, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 73 años.

Obra [editar]

Grabados en madera, y también unos 2.000 dibujos y borradores. De muchos existen decenas de reproducciones, cientos e incluso miles de otros. Al final de su carrera destruyó algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de originales. También existen estudios y borradores de muchas de sus obras, en ocasiones también varias versiones de algunas de ellas. Muchas de su obras se vendieron masivamente poco después de su muerte y están esparcidas por el mundo. Un grupo importante está expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda.

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafos, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:

• La estructura del espacio – Incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
• La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
• La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Improbable

artistas elegidos

Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía.
Inició sus estudios artísticos en la Phillips Academy y en la Universidad de Princeton, viéndose influido por las obras de Noland, especialmente por sus «cuadros recortados» que estaban pintados con colores planos o bandas monocromas. Se dió a conocer con la exposición «Sixteen Americans», que organizó el MoMA en 1959. Al renunciar al expresionismo abstracto, Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana.
A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional.
En 1960 presenta su primera muestra individual en la Galería Leo Castelli de Nueva York. En 1962 exhibe en una muestra colectiva en el Museo Whitney de Nueva York y en 1963 es nombrado artista residente en el Dartmouth College de New Hampshire.
Entre otras tantas exposiciones colectivas que se realizaron durante la década de los sesenta, Stella participó en algunas de las más importantes, relacionadas con la nueva abstracción y el arte minimalista, como por ejemplo, «Toward a New Abstraction» (Museo Judío de Nueva York, 1963) o «Systemic Painting» (Museo Guggenheim de Nueva York, 1966).
Participó en la VIII Bienal de Sao Paulo (1965) con otros artistas norteamericanos. Ese mismo año participa del Premio Internacional Torcuato Di Tella, en Buenos Aires, con tres de sus pinturas de marcos recortados. En 1968 participó en la documenta 4 de Kassel con los grabados hechos en Gemini GEL junto al maestro impresor Kenneth Tyler, con quien seguirá trabajando hasta la actualidad. En 1969 expone en el Museo Metropolitano de Nueva York. En 1970 se celebró una retrospectiva en el MoMA. Estuvo en la Bienal de Venecia en 1972 y en 1977, en la documenta 6 de Kassel.
Desde mediados de los años ochenta hasta mediados de los noventa, Stella creó un gran corpus de obras que responde en términos generales al Moby-Dick de Herman Melville. Durante esta época, el creciente relieve de las pinturas de Stella dio paso a una plena tridimensionalidad, con formas escultóricas derivadas de conos, pilares, curvas francesas, olas, y elementos arquitectónicos decorativos. Para crear estas obras, el artista usó collages o maquetas que eran luego agrandadas y recreadas con ayudantes, cortadores de metal industriales y tecnología digital.
En los años noventa, Stella comenzó a realizar esculturas para espacios públicos y desarrollar proyectos arquitectónicos. En 1993, por ejemplo, creó todo un esquema decorativo para el Teatro Princesa de Gales de Toronto, que incluye un enorme mural.
El artista vive y trabaja en la Manhattan, Nueva York.

El tejido del Espacio

Como idea preliminar que me parece interesante me gustaria trabajar con el concepto de espacio desde el punto de vista del campo de la física teórica en la mecánica cuantica, donde las cosas no son como nos aparecen en la realidad concreta de nuestro mundo. El espacio no es algo vacío o inerte (incluso el vacio exterior, extraplanetario), sino que bulle de actividad y, más aún, de energia.(energia de campo).
Me resulta llamativo que el espacio está constituido por quantum o unidades (longitud de Planck) a partir de los que es imposible continuar disminuyendo el tamaño, existe un límite inferior a partir del cual no puede exitir nada mas pequeño. Se trataría de una variable discreta de forma que podemos saltar de un paquete a otro sin que podamos ocupar espacios intermedios.
Desde las últimas teorias físicas, el espacio, en estos tamaños tan enormemente ultramicroscópicos gozaria de más dimensiones además de las 3 (anchura, profundidad y altura) y el tiempo, algunos postulan 7 dimensiones extra enrrolladas sobre sí mismas y que no pueden ser advertidas en nuestro mundo habitual. Tratan de dar respuesta a preguntas primordiales y ofrecen hipótesis hasta cierto punto verificables, de cuestiones como el origen de las cosas, algo tan dificil de imaginar como el espacio generador de masa en la época inflacionaria del cosmos a partir del campo de Higgs (la particula que la comunidad científica espera ansiosamente descubrir en los experimentos del recién inaugurado Acelerador de Hadrones en Suiza)
Con esta idea me gustaría trabajar en un soporte material tridimensional de diversos tipos, tratando de construir un tejido o red ,evocando algunos trabajos de Escher que juega con la ingenuidad de los sentidos del espectador, y del físico Brian Green autor de"El Universo Elegante" que refleja lo ilusorio de conceptos tan firmemente adquiridos como el espacio y el tiempo.